Основные этапы мировой культуры (VI-XX вв.). Проблемы современной культуры. - Европейская культура XVII в.

Европейская культура XVII в.

Культура XVII в. представляет особый интерес с точки зрения великих стилей, через которые осуществлялось самовыражение основополагаю­щих идей времени. Речь идёт о барокко и классицизме. Оба стиля сформирова­лись в недрах культуры Ренессанса, но имеют совершенно разную идейную и образную основу.

Эпоха барокко наступила в результате глубокого духовного и религи­оз­ного кризиса, вызванного Реформацией. Католическая церковь, стре­мясь отстоять свои позиции, начинает ещё больше уделять внимание декорированию и храмов, и самой службы. К тому же всё более популярным и массовым становится театральное искусство. Всеобщее увлечение театром и пристрастие ко всему театральному рождают соответствующее отношение к жизни как к театру. Шекспировс­кие слова: “весь мир – театр, а люди в нём – актёры” из комедии “Как вам это понравится”, можно отнести ко многим крупным произведениям европейской литературы и живописи. В Амстердаме в 1638 г. был открыт городской театр, над входом в который можно было прочесть строки крупнейшего голландского поэта того времени Вондела: “Наш мир – сцена, у каждого здесь роль своя и каждому воздается по заслугам”. Театральность стала объединяющим барокко и классицизм моментом. На картинах крупнейшего представителя барокко П.П. Рубенса нередко можно увидеть красный бархатный занавес, гармоничнейшим образом сосуществующий с реалистическим пейзажем (картины “Три грации”, “Вирсавия”). На полотнах представителя классицизма Н. Пуссена действие уподоблено сцене из спектакля, созданного в традициях классицистской эстетики, где всё и все занимают строго отведенное место на авансцене. Однако барокко как стилевое направление в художественной культуре Европы конца XVI – середины XVIII вв., тяготеющее к торжественности, пышности и многообразию форм, при всей очевидности эстетических признаков, на удивление разнообразно и всякий раз неповторимо. Классицизм же – направление в художест­венной культуре XVII-XVIII вв., обратившееся к канонам древнегреческой классики как к норме и идеальному образцу – являлся самым рацио­нальным, идеологизированным и теоретически обоснованным стилем. Большого разнообразия внутри этого стилевого направления не подразумевалось.

Направленное на поддержку католической церкви в ее борьбе с Реформацией, искусство барокко стремилось непосредственно воздействовать на чувства зрителей. Сам термин “барокко” произошел от португальского слова, обозначающего жемчужину причудливой формы. Первым применил этот термин “барокко” швейцарский историк середины XIX в. Якоб Буркхардт. Он употребил его в пренебрежительном смысле “вычурный”, но слово прочно вошло в теорию искусства. Действительно, и архитектурному, и изобразительному, и литературному, и музыкальному искусству барокко присущи фантастичность, феерич­ность, карнавальность наряду с интеллектуальностью и эмоционально­стью. Человек в искусстве барокко представлен уже не просто центром Вселенной, как в высоком и позднем Возрождении, а многоплановой личностью со сложным миром переживаний, вовлеченной во все конфликты жизни.

Любовь к театру и сценической метафоре обнажает осознание того, что в жизни всё иллюзорно. Название пьесы испанского драматурга Кальдерона “Жизнь есть сон” не менее образно, чем вышеприведенное изречение одного из шекспировских героев. Краткая и хрупкая жизнь, эта “юдоль плачевная” – не более, чем иллюзия. Но именно осознание того, что жизнь окончится как сон, открывало ее истинный смысл и ценность. Несмотря на особое внимание к теме бренности всего сущего, культура барокко дала миру литературные произведения небывалого жизнелюбия и силы, что роднит барокко со стилистикой Возрождения.

В архитектуре прямые линии уступили место извилистым и ломаным. Большую роль приобрели изощренные украшения (лепнина, вазоны, скульптура). Пространство помещений иллюзорно расширялось благодаря беспокойной игре светотени. Широко применялись зеркала для создания иллюзии бесконечного пространства. Осуществлялись широкомасштабные проекты, например ансамбль площади собора Св. Петра в Риме, спроектированный Лоренцо Бернини.

Особенно широкое распространение получает парадный портрет. Каждый европейский монарх стремился к тому, чтобы остаться запечатленным на полотне и во всем блеске своего величия. В эпоху Возрождения портреты создают почти все крупные художники: Леонардо, Рафаэль, Тициан, Гольбейн, Дюрер и т.д. Но, начиная с середины XVII в., жанр портрета приобретает ведущее значение, о живописце и судят в первую очередь по тому, какой он портретист, в качестве портретиста и приглашают на службу.

Большое влияние на формирование барокко оказал итальянский художник Микеланджело Меризи да Караваджо (1573-1610), смело использовавший световые контрасты и динамичные, нетрадиционные композиционные приёмы. Его образы настолько телесны, что вполне подтверждают знаменитые барочные принципы “природное через природу” и “над естеством наш разум торжествует, но с помощью того же естества”. Наиболее известными работами Караваджо являются картина “Смерть Марии” и портрет “Юноша с лютней”.

Золотой век испанской живописи, ознаменованный такими именами, как Диего Веласкес, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран, также прошёл под знаком барокко. Наиболее значительной фигурой является Веласкес (1599-1660). Будучи придворным художником Филиппа IV, Веласкес пишет множество портретов короля, членов его семьи и приближённых, а также сцены из придворной жизни, усложняя и бесконечно разнообразя художественные приёмы. Часто использует художник эффект зеркала, создавая композицию в композиции, сцену в сцене, расширяя пространство изображаемого (“Менины”, “Венера перед зеркалом”). Патриотические мотивы ощутимы в картине “Сдача Бреды”, также крайне насыщенной и по смыслу, и с точки зрения композиции.

В творчестве Х. Риберы (1591-1652) отчетлив интерес к ярко индивидуальному, конкретному, пусть даже уродливому. Он предпочита­ет темный фон, насыщенные густые тона, подчеркнутую материальность формы, контрасты света и тени, использует сложные ракурсы расположения фигур (“Св. Себастьян”). Часто его персонажами являются простолюдины, но всегда полные достоинства, мужественные и гордые. Например, в известной картине “Хромоножка” жалкий маленький калека изображен художником с большой теплотой. В нем подчеркнуты весе­лость, лукавство, озорство и в то же время – гордый, сильный характер.

Период расцвета фламандского барокко приходится на первую половину XVII в. и представлен творчеством Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. Главой школы стал великий мастер европейского барокко Питер Пауль Рубенс (1577-1640). Он пишет портреты, историчес­кие картины на мифологические и библейские темы, оформляет дворцы и церкви. В композициях “Воздвижение креста”, “Снятие с креста” художник использует резкие ракурсы, беспокойные пятна света и тени. Открытость композиции, особая чувственность тел характерна для Рубенса, интерпретирующего греческие и римские легенды: “Похищение дочерей Левкиппа”, “Вакханалия”, “Персей и Андромеда”. Переходом к зрелой фазе творчества художника стал цикл картин “Жизнь Марии Медичи” для Люксембургского дворца во Франции (1622-1625). Картины театральны, манера письма выразительна, непринужденно свободна. Одна из любимых тем художника – тема вакхическая (“Вакх”, “Вакх и Ариадна”, “Союз земли и воды”), демонстрирующая откровенно телесное восприятие жизни, в своей основе и языческое, и театрально-карнавальное.

Антиподом Рубенса был его младший современник Рембрандт, представляющий голландскую школу живописи, изобразительное искусство республиканской Голландии – государства, возникшего на базе Нидерландов после буржуазной революции. Голландское барокко не похоже на фламандское. В нём нет помпезности, чрезмерной яркости, нарочитой телесности. Творчество Харменса ван Рейна Рембрандта (1606-1669) содержит несвойственную барокко тенденцию к философ­ско­му самовыражению художника вне привычного для барокко чувст­венного, телесного начала. Стиль Рембрандта, будучи неповторимым, как всякое гениальное художественное творчество, демонстрирует воз­мож­ную трансформацию барокко. Новаторскими являлись практически все работы Рембрандта. Имя художника популярным сделали полотно “Урок анатомии доктора Тульпа”, вызвавшая множество споров картина “Ночной дозор” и др. Художник пишет много прекрасных заказных портретов, но наиболее интересными являются автопортреты, отражаю­щие изменение его душевного состояния, а также автопортрет с первой женой, Саскией. Тонким психологом предстаёт Рембрандт в картинах на библейские и евангельские сюжеты (“Иаков, благословля­ющий сыновей Иосифа”, “Отречение апостола Петра”, “Поклонение волхвов”, “Вирсавия”, “Святое семейство”, “Видение Иезекиля” и др.). Живописным завещанием художника и эпилогом его творческих исканий стало хранящееся в Эрмитаже (Санкт-Петербург) полотно “Возвращение блудного сына”. Оно доносит до нас мысль о всесилии человеческой любви, о красоте всепрощения. Такого драматического накала голланд­ское искусство после Рембрандта уже не достигало. Шедевры мастера вывели искусство его страны и в целом барокко к новым рубежам.

В скульптуре к барокко относят прежде всего итальянца Лоренцо Бернини (1598-1680), чья алтарная скульптурная группа Экстаз Cв. Терезы (церковь Санта-Мария делла Виттория, Рим) считается образцом воплощения особенностей этого стиля, эталоном барочной скульптуры. Живопись, скульптура, декор, архитектура создают здесь целостный драматический ансамбль. Диапазон дарований Бернини чрезвычайно велик – от архитектора, скульптора, живописца до театрального комедиографа и постановщика.

В музыке барокко характеризуется усилением драматического звучания, стремлением воплотить душевные переживания человека. Формируется новый музыкальный жанр – опера. Начало было положено “Камератой” – объединением поэтов и музыкантов, стремившихся возродить античную трагедию и воплотить ее черты в новом театрально-музыкальном жанре. Опера – вид театрального искусства, сочетающий инструментальную музыку, сольное и ансамблевое пение с элементами драматического действия и декорациями.

Популярными становятся и две формы инструментальной музыки – концерт и соната. Оркестровое исполнение рассматривается как максимально выигрышная форма передачи типичных для барокко контрастных эмоциональных состояний. В концерте инструменты как бы соревнуются друг с другом. “Большие концерты” – кончерти гросси – писались для оркестра композитором Корелли. Позже Антонио Вивальди (1678-1741) создаёт концерт для солирующего инструмента (чаще всего скрипки) с оркестром. Получилось как бы соревнование солиста с оркестром, или личности с миром.

Первое публичное представление оперы состоялось в дни празднеств по случаю бракосочетания французского короля Генриха IV и Марии Медичи во Флоренции. Это была “Эвридика” Я. Пери и О. Ри­нуччини. Вскоре по типу “Эвридики” начинает создавать музыкальные драмы Клаудио Монтеверди. В Венеции открывается первый публичный оперный театр, куда может прийти каждый, просто купив билет. Оперы Монтеверди “Орфей”, “Ариадна”, “Коронация Поппеи” имели в Венеции большой успех. В середине столетия открывается придворная опера в Неаполе. В неаполитанской опере сюжет отступает на второй план. Главным становится бельканто (“красивое пение”).

В то же время никого из всех называвшихся писателей, композито­ров, живописцев, кроме, пожалуй, Лоренцо Бернини, мастера барокко “чистой воды”, нельзя полностью и безоговорочно отнести только к этому стилю. В этом состоит еще одна особенность искусства XVII в. – великих мастеров много и каждый сам по себе целая эпоха и особый стиль.

Для теоретиков и мастеров другого великого стиля XVII в. – классицизма – язык барокко казался неправильным. С точки зрения хорошо сформулированных и взвешенных норм классики он отличался запутанностью и неясностью. Один из противников барокко с досадою воскликнул: “Будь проклято то великолепие, в котором нет ясности!”

Возрождение традиций античной классики, предпринятое мастерами Ренессанса, было продолжено художниками, скульпторами, архитекторами XVII-XVIII вв. Следование канонам классики стало для них основой творчества. Принципы стиля, базирующегося на классических образцах, зафиксированы в многочисленных теоретических трактатах. Безусловно, классицизм отразил всю безмерность уважения нового времени к гармоничности и соразмерности искусства Греции, объединил многие искусства – литературу, музыку, театр, живопись, скульптуру, архитектуру – едиными нормами, общим мироощущением, так как важнейшей особенностью любого великого стиля является его способность отражать культуру эпохи в целом. Величие этого стиля наиболее ярко представляет культура Франции XVII в.

Несколько слов о мироощущении этого периода. Наука XVII в. поставила вопрос о свойствах природы. Все, что не проходило проверки в экспериментально-опытном знании, отвергалось. Философ Рене Декарт не видит другой возможности упорядочения мира, кроме как все выверять “языком математики”. В основе нового мировоззрения лежала философия рационализма – философского направления, провозгласившего разум основой познания и поведения людей, исходящего во всех своих утверждениях из идеи естественного порядка, связывающего весь мир. Искусство должно было подтверждать своими образами этот порядок. Человек, с точки зрения рационализма, являлся механизмом с “чистой доской” сознания, на которую общество должно было вписать идеалы как этические, так и эстетические.

Равновесие сил дворянства и буржуазии порождало веру в государство как “разум нации”. Общественные противоречия, казавшиеся неразрешимыми для художников позднего Возрождения, в XVII в. получили известную перспективу положительных решений. На новой основе была восстановлена программа гуманизма. Эстетика классицизма была основана на принципе “облагороженной природы” и отражала стремление к идеализации действительности. Важнейшим звеном, связывающим классицизм с искусством зрелого Ренессанса, было возвращение в искусство, и в первую очередь в театр, сильного, деятельного героя. Этот герой должен был, исполняя долг перед государством, подчинять свои личные страсти разуму, который направлял его волю к соблюдению норм морали и выполнению долга перед государством. Именно эта объективно существующая мораль была той общественной силой, которая должна была стать “разумом” героя, воодушевлять и направлять его поступки. Нормой языка трагедии была возвышенная, поэтическая речь определенного стихотворного размера (так называемый александрийский стих). Согласно созданной классицизмом иерархии жанров комедия была жанром более низкого порядка, чем трагедия. Рассчитанная на изображение повседневной жизни и заурядных людей, она не имела права касаться вопросов высокой идеологии и изображать возвышенные страсти. Трагедия же не должна была обращаться к обыденной тематике и допускать в свою сферу людей низкого происхождения. Реальная жизнь могла быть представлена только через сюжеты из античной, библейской или, в крайнем случае, средневековой мифологии. Но в своем последующем развитии классицизм ознаменовался возникновением высокой комедии – наиболее демократического и реалистического жанра эпохи. Создание высокой комедии – заслуга знаменитого комедиографа и актера Жана Батиста Мольера (Поклена). Свое наиболее полное эстетическое обоснование классицизм получил в произведении Никола Буало “Поэтическое искусство” (1687).

Французский театр и драматургия исповедуют правило трёх единств – основополагающее требование эстетики классицизма, подразумевающее единство действия, времени и места: все совер­шающееся в пьесе должно было укладываться в одни сутки, происходить в одном и том же месте и не допускать каких-либо отклонений от основной линии сюжета. Чувства должны быть дисциплинированы разумом, разум выше эмоций, долг важнее личных чувств и т.д. Предъявлялись требования благородства замысла, назидательности сюжета.

Пьер Корнель написал одну из первых и самую популярную трагедию классицизма “Сид”. Она имела огромный успех у зрителей, но была раскритикована Академией за несоблюдение единств. Тем не менее, Родриго, герой трагедии, до сих пор является образцом чести и долга. Именно образ Родриго был лучшей сценической работой знаменитого киноактёра Жерара Филиппа. Жан Расин, младший современник Корнеля, отошёл от общественной тематики, перевёл действие в сферу личных проблем героев. В трагедии “Федра”, например, героиня мучается от любви к собственному пасынку и гибнет, не сумев совладать с чувствами, но высокий стиль и три единства строго соблюдались. Комедии Мольера “Тартюф”, “Мещанин во дворянстве”, “Плутни Скалена”, “Скупой” будут вечно популярны, потому что вряд ли когда-либо исчезнут человеческие пороки, которые высмеиваются автором.

В живописи “исторический” жанр признавался наиболее значимым и высоким; все остальные – пейзаж, портрет, натюрморт – стояли в соответствии с иерархией жанров ниже, каждый на своей ступеньке. Самым “малым” был натюрморт.

Наиболее выдающимся живописцем французского классицизма 17 в. был Никола Пуссен. Он был приверженцем канонов классицизма, соблюдал все предписанные правила. Но творчество Пуссена имеет гораздо большую значимость. Он стремился решить важнейшую задачу гармонии в живописном произведении, уподобляя живописца композитору. Он считал, что музыка является органичным единением мелодии, гармонии, ритма, и поэтому живопись должна опираться на законы музыки. В своих произведениях Пуссен значителен не только как художник, созерцающий мир, но и как философ. Не выходя за привычные для классицизма мифологические и библейские сюжеты, он решает извечные проблемы бытия. Тема быстротечности жизни и неизбежности смерти развивается им в картинах “Аркадские пастухи” и “Царство Флоры”. Автопортрет Пуссена на фоне пустых натянутых холстов – один из самых удивительных в истории искусства. Мастер повернулся к зрителю и напряженно, вдумчиво вглядывается в небо. Пуссен здесь больше напоминает ученого-аналитика, чем художника.

Младшим современником Пуссена был Клод Лоррен (1600-1682), художник, который работал только в жанре пейзажа. Такое разделение живописцев по специализациям характерно для классицизма. Каждый мастер, как правило, имел свое жанровое амплуа и не переходил его грани.

Началом воплощения художественных принципов классицизма в архитектуре стало возведение во второй половине XVII в. ансамбля дворца и парка Во-ле-Виконт (архитектор Луи Лево). Новые стилевые нормы сказались в логичном и строгом планировочном решении ансамбля. Классицизм в архитектуре отличается строгостью линий, симметричностью общего решения здания, подчёркнутым вниманием к его центральной части, ну и, конечно, подчёркнутым использованием элементов древнегреческих ордеров. Ранний классицизм представлен такими постройками, как восточный фасад Лувра и Версаль.

Культура XVIII в. воспримет и разовьёт каноны как барокко, так и классицизма, но преимущественно в сфере архитектуры. Основные же идеи, интересы и цели культуры последующего столетия будут в значительной мере противостоять тому, что составляло идейную сущность этих двух великих стилей.



Оглавление
Основные этапы мировой культуры (VI-XX вв.). Проблемы современной культуры.
Культура Византии
Культура арабского Халифата
Культура Древней Руси (IX – начало XIII вв.)
Культура средневековой Европы
Культура эпохи Возрождения
Культура Московского государства (XIV – XVII вв.)
Европейская культура XVII в.
Культура эпохи Просвещения (Европа)
Русская культура XVIII в.
Общие тенденции в развитии культуры XIX в.
Основные направления в художественной культуре XX в.
Специфика русской культуры советского периода
Кризисные явления в культуре конца ХХ столетия
Все страницы